5 artistas en nuestro radar en junio de 2023

"Artists on Our Radar" es una serie mensual producida por el equipo de Artsy. Utilizando nuestra experiencia artística y el acceso a los datos de Artsy, destacamos a cinco artistas que llaman nuestra atención. Para hacer nuestras selecciones, determinamos qué artistas tuvieron un impacto el mes pasado a través de nuevas representaciones en galerías, exhibiciones, subastas, ferias de arte u obras nuevas en Artsy.

Durante mucho tiempo, los artistas han creado significado a través de la repetición, extrayendo nuevas ideas iterando sobre un solo tema. Para Monet, eran montones de heno; para Warhol, latas de sopa. En la obra del pintor australiano-estadounidense Seth Birchall, las ramas de los árboles reciben el mismo tratamiento. En Landcare (2023), por ejemplo, dos troncos de sauce a orillas de un cuerpo de agua enmarcan una vibrante puesta de sol, mientras que Memory Leaves Trails, Patterns, Edges, Walls, Bottoms and Chasms (2023) utiliza el mismo óleo gestual y plumoso. técnica para representar la copa de una palmera en rosas y naranjas del atardecer.

Ambas obras forman parte de la última exposición individual de Birchall en Sullivan + Strumpf en Melbourne, que estará abierta hasta el 10 de junio. Titulada "La luna bajo el agua", la muestra también sugiere otro motivo recurrente en la obra del artista: la luna naciente. En la pintura de la que el espectáculo toma su nombre, las ramas de los árboles característicos de Birchall se extienden contra un cielo azul encantador, donde cuelga la luna brillante, su reflejo en el agua debajo proporciona un eco visual. Las pinturas cargadas de emociones de Birchall parecen evocar la nostalgia por los momentos fugaces de belleza que representan: instancias sublimes de conexión con la naturaleza.

Birchall tiene una licenciatura de la Escuela Nacional de Arte de Sídney y una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Nueva Gales del Sur. Trabaja principalmente en Sydney, donde ha montado exposiciones individuales en Verge Gallery y Artereal Gallery, entre otras, y recibió una residencia de estudio en Artspace en 2020.

—Josie Thaddeus-Johns

Nacido y criado en Virginia, Darin Cooper trabaja en varios medios, que incluyen pintura, grabado, fotografía y escultura. Esta primavera fue especialmente fructífera para el joven artista, quien se graduó con un BFA de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York poco después de abrir su primera exposición individual, "AIN'T NO PLACE LIKE HOME", en James Fuentes.

Influenciado por artistas como Jack Whitten, Radcliffe Bailey y Sam Gilliam, el trabajo de Cooper se centra en temas extraídos de su educación. "Quiero mostrar una versión más moderna de la cultura negra sureña", ha dicho. En James Fuentes, Cooper presentó obras líricamente abstractas que aludían a temas de espiritualidad, deportes, comidas al aire libre, hip-hop y más. En Ghost rider (2023), por ejemplo, el artista profundiza en sus recuerdos de cuando era joven cuando lo llevaban a exhibiciones de autos, cubriendo un tapacubos con una gasa pintada con una imagen serigrafiada del rapero Mike Jones. Formalmente, la obra hace referencia a las pinturas escultóricas de Sam Gilliam, mientras que su título recuerda una canción del rapero E-40.

Trabajando principalmente con acrílicos, Cooper ha desarrollado una estética similar a la de la acuarela usando alcohol isopropílico para disolver partes del pigmento. Esta técnica da como resultado un esmalte en capas de color que abarca diferentes tonos y se centra activamente en los conceptos de memoria y borrado. Luego, estas bases se combinan, reinterpretando la pintura acrílica tradicional a través de un enfoque de medios mixtos.

Cooper fue residente en 2022 en el Macedonia Institute en Chatham, Nueva York, y ha participado en varias exposiciones colectivas en galerías de renombre como Swivel Gallery en Nueva York, Bode Projects en Berlín y Andrea Festa Fine Art en Roma. El año pasado, se exhibió en una exposición individual en línea organizada por UTA Artists Space.

—Arun Kakar

Las curiosas pinturas de Grace Lee irradian fantasía y misterio. Los temas del artista residente en Londres son muy variados, aunque algunos motivos recorren su trabajo: animales, a menudo en posturas absurdas o exageradas; instrumentos musicales; estrellas. Cualquiera que sea el tema, Lee, tanto animador como pintor, prefiere composiciones enfocadas y recortadas que oscurecen el contexto, priorizando instantáneas visualmente impactantes sobre una narrativa identificable. Praised and Confused (2023) tipifica su estilo lúdico y elusivo (incluida su afición por los juegos de palabras): en turbios tonos marrones, representa a una persona desde las cejas hacia arriba con anillos de estrellas orbitando su cuero cabelludo, como un personaje de dibujos animados que se ha golpeado la cabeza. .

Praised and Confused estuvo entre la selección de pinturas de Lee que Huxley-Parlour mostró en Future Fair el mes pasado. No más grandes de 8 por 10 pulgadas, estas obras usan escala para reflejar sujetos pequeños, incluidos pájaros, abejas y manos, y crean una sensación de preciosidad. Huxley-Parlour también ha incluido a Lee en una nueva exposición colectiva, "On Longing, (Or ​​Modern Objects Volume II)", que se podrá ver en la galería de Londres hasta el 8 de julio.

Lee recibió su licenciatura en Bellas Artes de Goldsmiths, Universidad de Londres, y luego completó una Maestría en Bellas Artes de la Slade School of Fine Art. Han participado en numerosas exposiciones colectivas en el Reino Unido, incluso en South Parade, y recientemente fueron incluidos en "Quién sabe qué era la tierra antes del amor", una exposición en línea de Andrea Festa Fine Art.

—Olivia Cuerno

La primera exposición individual de Libby Rosen tuvo lugar en Night Gallery esta primavera, aunque no fue exactamente el debut de un nuevo artista. De hecho, Libby Rosen es un apodo para el proyecto conjunto de dos estimadas artistas: Anne Libby y Anna Rosen. Ambos, representados respectivamente por Night Gallery, son amigos desde principios de la década de 2010, cuando ambos vivían en Nueva York. Su colaboración no comenzó hasta 2021, cuando comenzaron a trabajar en el mismo edificio de estudio en Los Ángeles y, por lo tanto, se familiarizaron más con las prácticas de los demás.

El espectáculo conjunto, titulado "Rib Erosion" (un revoltijo suelto de letras en sus nombres), presentó exuberantes obras acolchadas que incorporaban satén teñido con colores arremolinados, evocando hábilmente el estilo distintivo de cada artista. Las sorprendentes creaciones colaborativas están estructuradas de manera similar a los textiles colgados en la pared hábilmente acolchados que forman una parte clave de la práctica escultórica de Libby, pero están impregnados del jaspeado y la pincelada empapados de color que se encuentran en las pinturas, los textiles y las obras de Rosen. papel.

Evitando un enfoque conceptual, los artistas desarrollaron este trabajo a través del proceso, el juego y una especie de llamada y respuesta. Responden al trabajo de los demás mientras contribuyen con su propia experiencia e interés en las técnicas artesanales tradicionales: Libby hace el acolchado, incorporando los textiles pintados de Rosen, que se crean a través de una técnica inspirada en la pintura ebru turca.

Libby y Rosen han tenido sus propias exposiciones individuales en Night Gallery en los últimos años: Libby en 2021 y Rosen en 2020.

—Casey menor

Las figuras en las pinturas de Brett Charles Seiler están despojadas en más de un sentido. Pinceladas sobrias, una paleta recortada y expresiones en blanco casi las despojan de erotismo; lo que queda son escenas tiernas y tranquilas de intimidad masculina.

La reciente exposición individual de Seiler en Everard Read en Londres se tituló "Luke, Warm", un juego de palabras suavemente evocador que podría hacer un guiño a la pintura Cold bath (2023), o tal vez hacer referencia a la naturaleza tibia de la vida doméstica. Sin embargo, la coma que separa la palabra sugiere un individuo y la calidez física y emocional de su amor.

Las experiencias de lo queer y la masculinidad, a veces aisladas, a veces íntimas, están en el corazón del trabajo de Seiler. En Living Room y Living with Myself (ambas de 2023), las figuras parecen ignorar la mirada del espectador. Capturados desnudos entre plantas de interior y muebles, parecen estar en casa en su entorno. Pero persiste una sensación de inquietud: en Living Room, una figura le da la espalda a la otra, mientras que el título de Living with Myself sugiere sentimientos de vergüenza. Otras obras son retratos simples, titulados como tales (Retrato 33 o Retrato 34, ambos de 2023). ¿Están sus sujetos mirando al espectador con intensidad o mirando a la distancia, atrapados en sus propios mundos?

Seiler se graduó de la Escuela de Arte Ruth Prowse en Ciudad del Cabo en 2015. Ha tenido exposiciones individuales recientes en M+B en Los Ángeles y Galerie Eigen + Art en Berlín, y ha aparecido en exposiciones colectivas en Ciudad del Cabo y en otros lugares.

—Isobelle Boltt